Donde la Música y el Lujo se funden en una experiencia inolvidable. En el corazón palpitante de Madrid, a escasos pasos de la emblemática Puerta del Sol, se erige el UMusic Hotel Madrid , un santuario para los melómanos y amantes del arte que buscan una estancia que trascienda lo convencional. Este establecimiento de cinco estrellas no es solo un lugar donde reposar; es una sinfonía arquitectónica donde cada rincón resuena con notas de historia, diseño y pasión por la música. El alma del UMusic Hotel Madrid es, sin duda, el histórico Teatro Albéniz . Con capacidad para 898 espectadores, este recinto ha sido meticulosamente restaurado, conservando su artesonado original y adaptándose a las exigencias del espectáculo contemporáneo. Desde musicales de renombre como “El Fantasma de la Ópera” hasta producciones inmersivas como “Cabaret”, el teatro ofrece una programación que deleita tanto a locales como a visitantes. El estudio creativo Organized Matter, con sede en Los Ángeles, ha sido el encargado de dar vida al interiorismo del hotel. Inspirándose en la energía vibrante de las actuaciones en vivo y el patrimonio arquitectónico del edificio, han creado espacios que combinan elementos cálidos de madera, tonos rojos y rosas, y detalles en negro que evocan elegancia y modernidad. Los pasillos y zonas comunes están adornados con obras de artistas urbanos contemporáneos como Maseda, Willie Marques, Sfhir y Ricardo Cavolo. Murales de figuras icónicas de la música, desde Amy Winehouse hasta Camarón de la Isla, transforman el hotel en una galería de arte viva que celebra la diversidad y riqueza del panorama musical. Con 130 habitaciones y suites, el UMusic Hotel Madrid ofrece una variedad de opciones que se adaptan a las necesidades y gustos de cada huésped. Desde las acogedoras habitaciones Classic hasta la lujosa Artist’s Suite de dos plantas con terraza privada, cada estancia está equipada con altavoces Marshall, sistemas de música Bluetooth y una cuidada selección de vinilos que reflejan las preferencias musicales de los visitantes. La atención al detalle se extiende a los materiales utilizados, con puertas y elementos de bambú que aportan un toque ecológico y elegante. Las amenities incluyen productos de marcas madrileñas, ofreciendo una experiencia auténtica y local. El Restaurante El Albéniz, ubicado junto al teatro, ofrece una propuesta culinaria que fusiona la tradición madrileña con toques contemporáneos. Durante las cenas-espectáculo, como “La Teatrera”, los comensales disfrutan de una experiencia sensorial que combina música, danza y gastronomía en un ambiente íntimo y sofisticado. En la azotea, el Bar Nota Alta invita a saborear cócteles de autor y una propuesta gastronómica que incluye el innovador “Sushi Castizo”, todo ello acompañado de vistas panorámicas que abarcan desde la Gran Vía hasta la Sierra de Guadarrama. El UMusic Hotel Madrid redefine el concepto de zonas comunes. Desde su piscina exterior con sistema de sonido integrado hasta la terraza Nota Alta, donde se celebran conciertos acústicos al atardecer, cada espacio está diseñado para ofrecer experiencias únicas. La biblioteca de vinilos y la mediateca permiten a los huéspedes sumergirse en la historia musical, mientras que los ascensores decorados con portadas de discos emblemáticos rinden homenaje a las leyendas de la música. Para aquellos que buscan mantenerse activos, el hotel cuenta con un gimnasio equipado con tecnología de vanguardia. Además, se ofrecen tratamientos de spa en la habitación, permitiendo a los huéspedes relajarse y revitalizarse sin salir de su espacio privado. El Hotel va más allá del alojamiento tradicional, ofreciendo experiencias inmersivas que combinan música, cultura y hospitalidad. Desde conciertos en vivo hasta exposiciones y eventos exclusivos, cada estancia se convierte en una oportunidad para conectar con el arte y la creatividad. El UMusic Hotel Madrid no es simplemente un lugar para dormir; es un destino en sí mismo, donde la música, el arte y el lujo convergen para ofrecer una experiencia inolvidable. Ya sea que busques sumergirte en la vibrante escena cultural de Madrid o simplemente relajarte en un entorno sofisticado y lleno de inspiración. Este hotel ofrece el escenario perfecto para que cada huésped componga su propia sinfonía de recuerdos.

Un software revolucionario, que se adelantó a su tiempo y a todas las inteligencias artificiales de las que se habla en la actualidad. Mia Breach Hunter, es como un antivirus legal . Álvaro, nos cuenta que le gusta el futuro y que, en 2014, tuvo una crisis intelectual, por que no entendía los problemas jurídicos del ciberespacio. En la biblioteca pública que aterrizó, comenzó a buscar libros de filosofía, los clásicos: Platón, Aristóteles, etc…  Durante su búsqueda, de forma repentina, cae un libro de la estantería contigua; se trataba de " La historia del tiempo" de Stephen Hawking, el libro de divulgación más leído en 1988. Su reflexión final, es que el tiempo no existe; es una unidad de medida que nos hemos inventado, para medir el cambio. El mundo digital va tan rápido que saber que ocurrió en el pasado no nos aporta el conocimiento suficiente para predecir el futuro. Los riesgos, se pueden anticipar, siempre y cuando tengas la información. Si tienes mucha información, puedes predecir lo que va a suceder, con un grado de precisión bastante cercano a la realidad. MIA , como Inteligencia Artificial, puede predecir comportamientos de las organizaciones a futuro, es decir, saber anticipadamente, si una organización va a incumplir las leyes. Los abogados, siempre defienden a sus clientes, pero no pueden saber cuándo se va a cometer el delito, y si realmente este se va a realizar. Ante esta reflexión, Álvaro pensó, como ocurre con los diagnósticos informados en salud, que es posible a través de estos, prevenir la enfermedad, antes incluso de manifestarse y atajar su proliferación en el cuerpo humano. El proyecto duró unos cuatro años de investigación junto a uno grupo de catedráticos de la universidad complutense de matemáticas. Crearon un modelo que relacionaba números con letras, otorgando valor numérico a estas, de la misma manera que cuando se trazan suficientes puntos que dibujan o determinan la fisonomía de alguien, es posible realizar un reconocimiento facial de ese alguien. La tarea de MIA, consistía en que MIA debía reconocer un documento, e interpretar s i el contenido era correcto. En 3 años consiguieron el algoritmo de interpretación que, a partir de ese momento, se dotó de información destinada a que la IA, pudiera cotejar los datos obtenidos. Desde esa información crearon una fórmula de probabilidad, con un éxito entre 88 - 93% de eficacia en predecir si una empresa incumplirá la norma a futuro. ​ ¿Cómo es el proceso de trabajo de MIA? ​ Lo primero es poder leer todos los documentos que la empresa le haga llegar, o también puede conectarse a una unidad de red interna y leer todos los documentos de dicha unidad. Una vez leídos los interpreta y de esta manera, puede identificar si los documentos están conformes a la ley, bien, mal, o regular, siendo capaz de puntuar el documento sobre 10 estrellas. Es tan increíble, que no se centra solo en la redacción formal de los documentos, sino si están implantados, auditados y cumplen la norma. Con este sistema ya no es necesario disponer de gran cantidad de capital humano, destinado a interpretar, leer, procesar y comparar documentos, en formatos de grandes auditorias corporativas. MIA tarda 3” en leer un documento de unas 20 páginas, por lo que su velocidad de análisis, será infinitamente superior a cualquier equipo de trabajo. Una vez recibida la información es capaz de elaborar un diagnóstico con una propuesta de soluciones incorporadas, en la que informa, además, de lo que es necesario cambiar, incluida la redacción correcta de los documentos, pudiendo corregir las irregularidades de manera rápida y 1000 veces más eficaz. El sistema de actualización de cualquier ley nueva, o modificaciones de esta ley, es automatizado, con lo cual se garantiza la eficacia a diario Si algún día esta herramienta llegase a las Entidades Públicas, el control de irregularidades en las empresas, se solventaría de manera muy rápida con el consiguiente ahorro de tiempos y costes, que se reducirían drásticamente. El control informático es fascinante y aterrador a la vez … ¿Qué nos deparara el futuro?

Olga Sinclair, referente innegable de la pintura abstracta, en todo el mundo. Pintora panameña cosmopolita, cercana y con gran fuerza de color y alegría en su obra. Cuando me presentaron a Olga Sinclair, rápidamente comenzamos a charlar sobre la vida, sus viajes, su familia, sobre lo que importa al fin al cabo. Olga es una referencia innegable en el mundo artístico. Es baluarte de la pintura abstracta. Ella sigue los pasos de su padre, es alumna y es maestra. Esta pintora panameña puede presumir de haber expuesto su obra en lugares tan emblemáticos como la Organización de Estados Americanos, en Washington DC, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, el Studio d' Arte Stefanini en Florencia, o la Sede de las Naciones Unidas en Ginebra. Olguita como le gusta reconocerse y que la llamen sus seres más queridos y amistades, es la fiel heredera de la disciplina y el talento de su padre, Alfredo Sinclair, creador del Expresionismo Abstracto en Panamá, además de ser pionero en la formación artística de Bellas Artes en la universidad de su país.  Repasando la vida de Olguita, perdiéndonos en el tiempo de sus juegos, de su niñez que transcurre en el ámbito familiar, en una Panamá que despertaba cada mañana bañada en la bruma del Pacifico, esperando que el talento de Olga Sinclair se elevase como las gaviotas surcando mares de indescriptible belleza. Nos asomamos pues a los días de blanca paz y armonía del hogar para descubrir la fuente de inspiración de una niña que más tarde se convertirá en la gran artista que conocemos. La grandeza de su espíritu artístico, es el legado más rico que recibe de su padre. De su madre el legado esta más "aterrizado" y de ella aprende a diversificar sus saberes, por si acaso… aprende a ser una mujer universal, con alma viajera y curiosa de niña despierta al amor de las cosas que la rodean. Entre sonrisa y enorme dulzura, Olga nos relata cómo transcurre su época feliz repleta de juegos, siendo su preferido, entrar de tapadillo en el taller de su padre, con su séquito de muñecas dispuestas como público de excepción para ilustrar y admirar en silencio y con los ojos muy abiertos, contemplando el trabajo de aquella figura, rey de sus sueños que le enseñó la magia que escondían sus trazos, aterrizados en el lienzo para transformarse en formas de infinita visión, de arte y maravilla. El trabajo de Alfredo Sinclair, supone para su hija Olga el pilar fundamental de inspiración en su carrera que empieza a los 5 años, como discípula espontánea en aquellos espacios íntimos de incalculable valor para ella. Olga aprende a pintar siguiendo los trazos de su padre, que se traducen de formas inocentes a rasgos de artista consagrada en este legado que aún hoy pervive. El mejor recuerdo de su niñez, mejor dicho, los dos mejores recuerdos de su niñez, están unidos en uno solo, que es el amor, el amor a su familia y el amor a la obra de su padre. Tiene grabadas en su memoria, las tertulias que organizaba su padre en la casa a la que acudían con entusiasmo, otros pintores, escultores, escritores, y artistas en general, que debatían sobre el futuro del arte en Panamá y atravesaban en sus conversaciones las grandes interrogantes del futuro y destino del país. Olguita escuchaba palabra tras palabra, sin perder ni un solo pensamiento, embelesada, por los más ilustres artistas que desfilaban por los salones de su casa, formando parte de aquel elenco de saberes que absorbía con la elasticidad de una mente joven. El idilio terminaba con el gesto demoledor de su madre, que le recordaba que, a su edad, también era importante preservar las horas de sueño, y obediente, nuestra Olguita se iba a la cama con la cabeza repleta de fantasías con las que sembrar sus sueños.  EL MEJOR RECUERDO DE SU NIÑEZ ES EL AMOR, EL AMOR A SU FAMILIA Y A LA OBRA DE SU PADRE Me dice Olga, en otro de sus relatos de vida y trayectoria como artista, que su decisión de dedicarse a la pintura es muy temprana. Me habló de su educación infantil y lo importante que es la figura de un buen maestro, aunque en su caso fue a la inversa. Olga reproduce con tristeza uno de los primeros trabajos gráficos que tuvo que realizar en el colegio, consistía en dibujar un semáforo. ¿Qué era eso?, pensó y a pesar de que no sabía su significado en su mente afloraron infinidad de ideas que se empezaron a desplegar en aquel folio en blanco, sin forma ni contenido. Rápidamente, se sucedieron las líneas rectas, combinándose con los círculos que calcaba de unas monedas fortuitas encontradas en su bolsillo del uniforme. Tras ese arrebato creativo que le transportó por instantes al centro de su propia conciencia de artista niña, aquella macula yerma y desierta, dio paso a una composición abstracta que ella admiraba con ilusión y que distaba mucho de los tradicionales rojos, amarillos y verdes que, desde el mobiliario urbano, despejan las incógnitas de la movilidad. Se dice que la originalidad nunca es profeta en su tierra y que se escribe con palabras amargas de incomprensión y soledad. Cuando nuestra autora esperaba nerviosa, en la fila con sus compañeros, quiso saber por curiosidad natural, qué habían dibujado el resto de la clase, cómo habían abordado el reto impuesto por la profesora y sin más, se dispuso a preguntar a algunos de esos compañeros por sus trabajos. En seguida se dio cuenta de las diferencias entre su creación y la del resto. Tal vez descubrió de una forma brusca tal y como lo recuerda, que es un semáforo hasta entonces desconocido para ella. A pesar de su extrañeza, de su sorpresa e inquietud, Olguita permaneció callada en aquella fila miliciana, hasta que fue su turno de entregar su dibujo a la maestra, y cuál fue su sorpresa cuando la maestra enfadada, en un gesto de reproche, ridiculizó la obra de la indiscutible figura central del abstractismo Panameño actual, calificando su "visión" del dichoso semáforo, con un cero como una casa. Pero no contenta con esta nota, la maestra  le pidió a toda la clase en acto de enseñanza ejemplar,  que le mostraran sus dibujos a Olguita para que aprendiese qué es un semáforo y nunca más lo olvidara. Con los ojos llenos de lágrimas incontrolables y el alma partida entre la decepción y la incapacidad para entender qué había ocurrido, Olga llegó desolada a su casa, en ese momento su refugio más que nunca y aferrada a los brazos de su padre, se deshizo en sollozos por la traición con la que aquella maestra espartana había respondido a su genialidad.   ​ Más tarde la propia Olga llegará a revolucionar estas siniestras fórmulas de aprendizaje con un toque de genialidad de su propia cosecha. La respuesta de su padre no se hizo esperar; desolado ante el desconsuelo de la pequeña Olga,  le regaló el oído con la más bellas palabras que pudo encontrar, concediéndole a su hija la primera y más valiosa lección de vida. Olga le mostró el dibujo original de aquel "semáforo" tan distinto del resto,  que la maestra había desestimado por no parecerse al de los demás, a lo que su padre respondió: "… es el semáforo más hermoso que he visto, ... Mi amor, siempre sigue tu corazón”. ​ Y así lo hizo. En los cursos siguientes, Olga recurrió a  su imaginación para realizar los trabajos de Artes Plásticas que se le exigían en el colegio con mucha diferencia del resto de los alumnos:  mientras que  sus compañeros calcaban los trabajos que les pedía la maestra, consiguiendo así sobresalientes, Olga Sinclair, decidió que quería dedicarse al arte de la Pintura, para poder explorar su propia autenticidad y que su inspiración estaría gobernada por su ética personal, que le había descubierto su potencial, que no necesitaba plagiar a nadie, aunque no obtuviera sobresalientes. El proceso formativo comenzó con su padre a los 13 años, con un regalo muy especial, un libro del pintor italiano Giorgio Morandi, el maestro de los bodegones. Junto al libro, su padre y maestro le dio su primer consejo técnico:…. “Si dominas el bodegón dominarás la gran pintura”. Después de este arranque no pararía y a los 14 años, realiza su primera exposición colectiva,  junto a artistas consagrados del panorama panameño, certamen que su padre había logrado ganar dos años atrás. Se presentaron 380 pinturas entre las que seleccionaron sesenta para realizar la exposición,  una de ellas era el paisaje que Olguita Sinclair había pintado y que por fin veía expuesto. El día de la inauguración corrió  desde el colegio hasta la exposición, con su uniforme, sin tiempo para cambiarse. Su sensación de felicidad al ver su obra, allí, entre tantas otras dignas de admiración, reafirmó su vocación y supuso un punto de inflexión en el cual comenzó a madurar la importancia de su formación. Su primer paso, tras la sabiduría técnica de su padre y la sensatez de su madre, fue que comenzara su formación en el extranjero, para conocer otras costumbres y enriquecerse también personalmente. El lugar elegido fue Madrid, un Madrid que empezaba a despertar a la transición democrática. En este paisaje de cambios y sucesos históricos muy intensos, surge para nuestra artista  joven y entusiasta, el nuevo reto de enfrentarse a la representación pictórica del  cuerpo humano desnudo.   Diez modelos masculinos, en diferentes posturas, mostraban su anatomía, ante un grupo de alumnos armados con sus pinceles y protegidos con lienzos sobre caballetes, como improvisados jinetes para dar inicio a su batalla personal, consistente en  interpretar aquello que veían.   DIEZ MODELOS, DIFERENTES POSTURAS, JUNTO A UN GRUPO DE ALUMNOS ARMADOS CON SUS PINCELES PARA DAR INICIO A SU BATALLA PERSONAL DE INTERPRETAR AQUELLO QUE VEÍAN. Tras terminar su formación en Madrid, regresó a su Panamá natal y  comenzó una nueva etapa. La visión práctica que su madre siempre tuvo de la vida,  le sirvió de escuela para tomar decisiones muy importantes en su beneficio, como la determinación de complementar su formación con algún título universitario, por aquello de que la pintura no fuese al final el camino definitivo. Así que se preparó en dos disciplinas muy útiles para el resto de su vida: Diseño De Interiores y Magisterio. Dos saberes que le han servido a lo largo de su vida. El diseño de interiores ha sido fundamental a la hora de elegir la colocación de sus exposiciones, las luces, la distribución del espacio para lograr que sea acogedor y a la vez de un gusto exquisito. En el caso de magisterio, su aprendizaje le ha aportado, a lo largo de muchos años, el poder vincular la educación de los niños con el arte, la pintura y la música, que más tarde ha materializado a través del trabajo de su Fundación, dedicada a la enseñanza de las artes pictóricas para la infancia, con metodologías basadas en la combinación del arte con la música y otras disciplinas humanísticas que potencien las capacidades innatas de estas pequeñas y pequeños futuros genios. En nuestra distendida y cercana charla, cuando le pregunto por su familia, se le humedecen los ojos y me responde:… “Me emociono porque mis hijas son mis dos únicas obras de arte”. Olga me explica que su maternidad no está exenta de lucha y de penalidades con embarazos dolorosamente frustrados. Pero su inquebrantable fe en Dios,  su determinación y su voluntad de ser madre, dieron los frutos deseados y finalmente hoy en día puede hablar con orgullo de sus "dos milagros" como ella denomina a sus hijas Natasha y Susanna, que nacen en el sudeste asiático, en  Indonesia, provenientes de una cultura diferente, con un idioma diferente, lo que supone la oportunidad de aprender a ser madre, a entender,  a expresar todo su amor  en otra lengua y provocar en sus hijas el conocimiento de cuatro idiomas, indonesio, inglés, holandés y español, que son la manera que Olga tiene de conectar a Natasha y Susanna con las maravillas de la vida y el mundo. Me explicaba que su pediatra le comentó en una ocasión que un niño puede aprender hasta ocho idiomas distintos  y en la familia de Olga, se aplicaron esta metodología políglota, de manejar al mismo tiempo varias lenguas de modo que siempre que el padre hablara en idioma nativo holandés, la madre el suyo, español, los empleados de servicio el indonesio y en el colegio el inglés, con ello se consiguió que la inmersión fuera total,  siendo como resultado un aprendizaje más fácil para las niñas, que además adquirieron un acento perfecto en cada una de las lenguas.   Según su pediatra, un niño puede aprender hasta ocho idiomas distintos simultáneamente. Olga aplicó esta metodología políglota en su familia, el padre holandés, la madre español, el servicio indonesio, e inglés en el colegio. Tras toda esta andadura y de regreso en Panamá,  un día de tantos otros, a Olga se le acerca una madre del colegio de sus hijas y le pregunta si enseñaría en su estudio a pintar a las hijas de ésta, a lo que nuestra improvisada maestra responde que un estudio no es el mejor lugar para enseñar a niños por que hay productos poco saludables para ellos.  Olga le propone realizar una Masterclass al aire libre una vez al año, y la madre entusiasmada, le anima a hacerlo.  Cuatro meses después esta Masterclass tiene lugar, en un parque al aire libre,  con quinientos niños como alumnado. En esa ocasión  salió a relucir su vocación docente fruto de la formación en Magisterio que Olga había realizado en los años de estudiante universitaria.  A través de sus acciones formativas, descubre algo preocupante para ella y es la falta de imaginación, y creatividad en los niños y niñas a los que enseñaba. Todos los dibujos eran iguales. Este fue el inicio de lo que hoy conocemos como la fundación Olga Sinclair, un proyecto sin ánimo de lucro cuyo objetivo principal es fomentar  el espíritu creativo y la sensibilidad por las artes en los más pequeños, con técnicas innovadoras, como se ha referido anteriormente.   Estas originales metodologías educativas, han llevado a Sinclair a figurar en el libro Guinness de los récords, en 2014, por conseguir en una Masterclass de pintura al aire libre reunir a 5084 niños y niñas de Panamá, dentro de un recinto acotado. La anécdota es que fuera de este recinto asistieron el doble de alumnos que no fueron contabilizados pero que igualmente estaban entusiasmados con la idea, aunque permanecieron fuera del cordón de seguridad, aun así  recibirían su clase igualmente, gracias a la versatilidad de Olga y a su dedicación a la enseñanza que la ha convertido en una mujer de infinitos recursos. Suponía todo un reto porque también se celebraba el centenario de la construcción del Canal De Panamá y en lo personal,  el cumpleaños de su padre y maestro. Una gran celebración para dos hitos importantes en la historia.  Olga ha conseguido despertar la creatividad en las futuras generaciones de artistas a través de su pintura y de la música que ha incorporado en cada una de sus actividades y que sirve de inspiración en la creación de cada una de sus obras. Olga ha conseguido ser un referente vivo de la Pintura Abstracta en Panamá, y un icono que pasará a la  historia del arte, por su amor a la cultura, su empatía con la humanidad y su preocupación por despertar la creatividad en las futuras generaciones de artistas. GRACIAS OLGA

La piel hecha arte Esta empresa de artesanía comienza en Paraguay, en la jungla del chaco. Su primera idea era ganadera, pero al descubrir cómo trabajaban las pieles y la madera en la zona, surgió la inspiración de crear productos de lujo en piel, así en 2003, nace Sol & Luna. Han convertido la maestría en obras de arte. Hace 20 años comenzaron su original andadura de producir, de manera sostenible , piel y madera de alta calidad. Después de que la materia prima se produzca de manera artesanal en Paraguay, viaja a Madrid, donde se diseñan y construyen productos decorativos que permitan dar un toque de distinción a los lugares donde se ubicarán posteriormente. Utilizan como base productos cotidianos, como ejemplo: un Volkswagen escarabajo, un Citroën dos caballos, o una vespa; vehículos que han marcado una historia y que les dan una segunda vida. A través de Sol & Luna estos vehículos pasarán a la posteridad como obras de arte. Su manejo de todo tipo de productos les ha llevado a conseguir decorar cualquier lugar: restaurantes, hoteles, yates, estaciones de esquí (Francia), apartamentos en Manhattan,... crear productos decorativos y útiles: regaderas, cubiteras, bicicletas, termos, sillas de diseño, casetas de perro, porta viajes de mascotas, cubos, cubre platos, bandejas, cubos de hielo, mesas, cómodas, butacas, taburetes de bar, escritorios,... Han hecho a lo largo de estos 20 años, diferentes acuerdos con artistas españoles como: Felipao, Inés Benavides, Guille García-Hoz, Pepe Andreu, ... que han llevado la piel a una nueva dimensión. Para conmemorar el 20º aniversario, Sol & Luna, han diseñado junto a los arquitectos Jorge Sotelo y Jorge Álvarez, fundadores de la firma Hiwood, una colección de cuadros edición limitada con el título " Fragmentos y surcos". En la calle Núñez de balboa, 79 podréis descubrir en primera persona todos sus productos. Sol & Luna, Carolina Sánchez de Movellán, fundadora de la empresa, junto a su marido Carlos Ortiz de Zúñiga, nos muestran su 2CV. Mas información aquí .

Bioceramic Scuba Fifty Fathoms Collection. El grupo Swatch quiere acercar la alta relojería a todos los públicos. Desde hace unos meses ha comenzado a crear colaboraciones entre sus marcas. De esa idea nació la colaboración entre Omega y Swatch con una nueva versión de su reloj más emblemático, el reloj de la luna, su cronógrafo Speedmaster. Como resultado un éxito sin precedentes. Ahora nace una nueva colaboración, esta vez, con BLANCPAIN y su reloj más emblemático del fondo marino. Para celebrar el 70º aniversario del Fifty Fathoms han creado una colección llamada Bioceramic Scuba Fifty Fathoms, muy colorido y alegre. Con la identidad del primer reloj sumergible que creo Blancpain, caja redondeada, bisel giratorio unidireccional, movimiento mecánico autonómico antimagnético, con el movimiento system 51 de Swatch. Sumergible 91 metros, equivalente a una braza náutica. Cada modelo rinde homenaje a uno de los 5 océanos: Ártico, Antártico, Pacifico, Indicó y Atlántico. Los fondos marinos siempre han preocupado a Blancpain, por eso, como identidad de marca, han colaborado en muchos proyectos sobre el cuidado y conservación del fondo marino. La caja de bioceramica, patentada por Swatch, es fabricada 2/3 partes en cerámica y 1/3 de biomateriales. Las esferas en dos tonos dan una mayor legibilidad y contraste. Sus diferentes acabados se inspiran en las ediciones limitadas creadas por la marca original. Un calendario que muestra el día del mes, a las 4. Indicadores y agujas con luminiscente para poder ver la hora con ausencia de luz. Un logo ,en conjunto, con el símbolo "X" de multiplicar entre medias de los dos logos que aparece representado en la esfera y en la corona. En la parte posterior podemos ver el calibre system 51 y decoraciones con diferentes acabados para recordar los más de 20 proyectos que ha cofinanciado sobre la protección y cuidado de los fondos marinos. Las correas Nato, creadas a juego en cada una de las versiones, son de reciclaje y están hechas de la recogida de redes de pesca del los fondos marinos. La hebilla de bioceramica, lleva grabada el nombre de la colección. La presentación del reloj viene en una caja de buceo que será lanzada el próximo 9 de septiembre, solo en algunas tiendas Swatch. En Madrid, será la tienda Swatch de la calle Serrano número 46. También se podrán ver en algunas boutiques de Blancpain, pero allí, no se podrán comprar. Para más información aquí

Damiani nace en Valenza Po en 1924, en el corazón del barrio dedicado a la orfebrería. Fundada por Enrico Damiani, gracias a su habilidad como maestro orfebre, se convierte, en poco tiempo, en el joyero al que acuden las grandes familias de la época para que diseñen las mejores y más exclusivas piezas de la época. Damiani una de las marcas de joyeria más prestigiosas del mundo. Un negocio familiar italiano que ha conseguido 18 Diamonds International Awards, considerados en el mundo orfebre como los Óscar mundiales de alta joyería. La marca artesana ha preparado junto a su embajadores, Duran joyeros, una exposición de piezas únicas, creada por la firma, diamantes, esmeraldas, rubíes,... algunas de sus piezas más especiales, que no dejarán indiferente a los que tengan la oportunidad de verla. Hasta el 20 de octubre de este año, en la joyería Duran, de la calle Goya número 19.

Tradición y venta de coches de lujo. Una empresa dedicada a la automoción, que ha sabido fidelizar y luchar por sus clientes desde 1964. Jesús nos explica que ha trabajado toda su vida en esta empresa y en el mundo del motor de lujo, charlamos sobre un sector cambiante y confuso, como ha ido evolucionando de las berlinas, a los todoterrenos, denominados ahora SUB, coches más altos, robustos, más estables, con una peor aerodinámica, pero más confortables. Las marcas de lujo que representan, como Maserati, o Aston Martin, hace 10 años, solo creaban coches deportivos, nunca pensaron en estas versiones, que ahora son las demandadas por sus clientes. Otro dato curioso, en España, se venden el doble de coches de 2ª mano, versus coches nuevos. ​ ¿Por qué? ​ La mayoría de las compras de automóviles nuevos, ya sea empresa o particular, se hacen por renting. En una solo cuota lleva todo incluido, seguros, reparaciones, cambio de neumáticos, … más fácil y simple. Por eso en un intervalo corto de tiempo, aproximadamente 3 o 4 años, un renting finaliza y aparece un parque de 2ª mano, en muy buen estado y con la posibilidad de comprarlos por un buen precio. Cuando le preguntamos por los coches eléctricos, nos revela, que no los ve como el futuro de la automoción, silenciosos, con un consumo reducido, incierto e inestable, llenos de pantallas más grandes, que incorporan más tecnologías y por lo tanto consumo, si además aceleras y conectas el aire acondicionado, o cualquier tecnología que incorpore el vehículo, supone un mayor consumo de energía, a lo que hay que añadir, las escasas infraestructuras para cargar las baterías, o la lentitud en la misma y sobre todo, el gran contaminante que será este cambio de baterías, en el futuro.  ¿Dónde se almacenaran? ... Por esto y más factores decisivos que los fabricantes evaluaran en unos años, para Jesus, la automoción eléctrica, no es una alternativa real a largo plazo como sustituto de los motores de gasolina y derivados. Podrá ser una alternativa para núcleos urbanos como complemento de los transportes públicos. Desde hace años se investigan en combustibles sintéticos y orgánicos, que permitan mantener los motores de combustión, aunque tendrán que adaptarse y evolucionar también. Cuando pase este boom eléctrico y se descubra su incapacidad de ser la solución, antes de lo que pensamos aparecerán esas nuevas alternativas. La búsqueda de coches especiales y la postventa, es una de las líneas de negocio de Tayre, algo que fideliza desde hace años a sus clientes, consiguiendo que todos los miembros de una familia, se conviertan en eso, clientes y amigos de la empresa. Al término de esta entrevista que supone un sincero análisis de mercado y tendencias para la automoción, quise preguntar a Jesús por su visión acerca del futuro del sector automovilístico, teniendo en cuenta todos los factores mencionados. Y Jesús me respondió con otra magistral conclusión, los coches volarán y tendrán una gran autonomía, con un bajo consumo de energía. Me transporto a una película de ciencia ficción que nos dejó huella a todos los que la vimos: “Blade runner”. Seria Ridley Scott un visionario en 1982. Empiezo a creer que todo es posible. Que el futuro ya está aquí, en nuestras manos y se está precipitando sin que nos demos cuenta. Es un futuro sin fronteras ni restricciones. ¡Si Julio Verne levantase la cabeza! Tayre, cuida a sus clientes con esmero, realizando un trabajo cercano y profesional. Es un lujo en estos tiempos.

Cool Rooms Palacio de Atocha, un nuevo concepto de hotel de lujo en pleno corazón de Madrid MODERNIDAD EN EL CORAZÓN DEL MADRID MÁS ANTIGUO Si nos dijesen que es posible encontrar un oasis de paz, en donde el tiempo se detiene y permite recuperar la añoranza de la compañía que esta pandemia nos arrebató, o deleitarse junto a una piscina de aguas transparentes en el corazón del Madrid más antiguo, con ventanales y ornamentación isabelina, repleta de molduras y maderas añejas que nos transportan al pasado.  La recepción, de la evocación colonial y sus patios transformados en jardines repletos de sillones, butacones y sofás de estilo, que resultan irresistiblemente atractivos tras los cristales de las puertas que los guardan. Intimidad y lujo. El hotel Cool Rooms Palacio de Atocha, se muestra como refugio para transeúntes urbanos, que se adentran, en un mágico mundo, a otra dimensión arrebatada al tiempo y al recuerdo. Cada proyecto de esta empresa, crea espacios únicos, que cuentan una historia, con dinámicas y razones creativas únicas. El hotel reúne las condiciones de la familia Cool Rooms, dotadas de este afán remodelador del hecho histórico que, una vez rescatado del limbo de los inocentes, aterriza entre nosotros con renovado aire contemporáneo, pero conservando el legado de quien lo hubo pensado en origen. LA CALLE ATOCHA, EL ESCENARIO DE MADRID A TRAVÉS DE LA HISTORIA La calle Atocha, ha sido escenario de la formación del Madrid actual, cosmopolita y acogedor, a través de los tiempos; desde que fue villa hasta ser corte y ahora, embajadora de culturas y merecedora de todos los halagos que aquel que se deja atrapar por su embrujo, le profiere generosamente. Y es que Atocha, Carretas, la Puerta del Sol... tienen su historia ligada a las nuestras y son escenarios de muchas batallas y sucesos que ya no nos son ajenos ni lejanos en el tiempo. ​ El hotel está en el centro neurálgico del Barrio de las Letras, llamado así por su aportación al mundo literario, al ser albergue de ilustres plumas durante el Siglo de Oro español, en cuyos mentideros y tabernas, la vida tenía el precio de una pequeña moneda, pago y limosna para aquellos "justicieros del hambre y la miseria", que ajustaban cuentas, jugándose la vida tras la capa y el embozo. Los marqueses de Riscal , adquirieron este palacete, construido en 1857 al albur del sueño de un funcionario del ministerio de ultramar, que deseaba fervientemente el favor de la soberana Isabel II para pasar, como por arte de magia, de hidalgo a noble. ​ Cosa difícil para la burguesía, en una España que se debatía entre la corona y la revolución industrial, la modernidad y la tradición, porque estaba cambiando el entorno de la ciudad de Madrid con proyectos urbanísticos pretenciosos y diseños de nuevas concepciones arquitectónicas, más acordes con la Europa imperial. Como este palacio de Atocha, construido a tenor del estilo isabelino, en homenaje a la joven soberana y como celebración ornamental y simbólica del acenso social de su promotor. Vigilado por el dios Hermes o Mercurio según quieran ustedes seguir la tradición helénica o romana, mensajero de los dioses, nunca vio del todo complacidos sus pretensiones de grandeza en esta vida y a pesar de la traición, fue el artífice de que finalmente, se alzase majestuoso este palacio llamado la casa de Atocha 34. Testigo de las reuniones y proclamas de una burguesía bien avenida, que miraba hacia la rancia nobleza con envidia, sin saber que ambas eran víctimas de la misma decadencia. El espacio del hotel, se deja apoderar, generosamente, por cada "inquilino" que se transforma en parte del escenario cotidiano, en un alarde de culto poético dirigido al bienestar, entendiendo éste como esencia de su savoir faire Para Cool Rooms, lo importante es su concepto de hospedaje: la excelencia en el trato y la acogida. De acciones discretas y equilibradas, el visitante es objeto de atenciones cuidadas, escogidas y nada extravagantes, que le llevan a una sensación de confort muy relacionada con la que puedan tener en su propia casa. "Compramos el alma de los edificios", nos dice la directora de marketing y comunicación, Lidia Pérez, esa cara amiga y eternamente sonriente, que nos acerca al hotel, la historia y el porqué de este ambicioso proyecto. "Compramos cultura, historia e innovación a través de un proceso largo y complicado para dotar a nuestros hoteles de alma…. Un edificio que alberga un hotel con historia y encanto para vivir una experiencia inolvidable en el centro de Madrid" Cool Rooms ha conseguido que la historia del hotel forme parte de la propia experiencia de cada visitante ofreciendo en un alarde de creatividad, soluciones contemporáneas y divertidas: convertiendo el hotel en un "working center" o en un lugar misterioso y romántico para parejas que quieren recuperar cierta chispa, o para aquellas personas que necesitan escapar imperiosamente de la rutina, es aquí detrás de estas puertas donde van a encontrar su particular "Narnia". Su objetivo: "Ser los mejores anfitriones". Este proyecto histórico-hotelero, consigue que el visitante se enamore del entorno, que la oferta vaya más allá que el funcionalismo habitual de otros establecimientos, en los que el huésped, sea en el hotel Cool Rooms Atocha, ciudadano del mundo. La propia Lidia nos remite a las anécdotas peculiares del hotel y explica cada rincón, porque es un espacio lleno de estos detalles que hay que ir desmenuzando poco a poco como se saborean los caldos exquisitos. Experiencias gastronómicas con cocina de mercado, joven y expresiva, como lo es su Chef. Su juventud e ilusión por la cocina hacen de Diego Alonso una combinación perfecta con la tradición y alma del hotel. Su inspiración tradicional de la familia, combinada con influencias naturales, sus mezclas de dulce y salado, o carne y pescado imbuidos en un arroz de campo y playa, o el corral de las letras... Describe su cocina como de casa, pero con un moderno bistrot. Todo pensado para deleite sin tiempo ni presiones, solo comida que puedas disfrutar. Cada día viaja al mercado para sorprender con platos de inspiración creativa inmediata que surgen de las materias primas que encuentra. La popularidad de CoolRooms Palacio de Atocha en los últimos meses es evidente, pero su trabajo en pleno Barrio de las Letras, es merecido. Su habilidad para sacarle partido a cada rincón del hotel, no sólo a las habitaciones. Otro ejemplo sus experiencias y actividades de estilo de vida, salud, arte y no se puede dejar de reafirmar su gastronomía. Su propuesta de recibir una clase de yoga en la terraza del hotel, o viajar por el centro de Madrid mientras nos hacen fotos que recordarán nuestro viaje, son perfectos para disfrutar más tarde de unas alcachofas confitadas, o el arroz con gambones y torreznos, todo ello maridado con exquisitos vinos servidos a la vera de su delicada alberca, ubicada en mitad de un patio que te transportará a un vergel de sensaciones con una paz rota por el fluir del agua. Todo es muy auténtico aquí. Sus pinchos, sus cócteles servidos en el bar con una decoración contemporánea endulzada con el colorido de sus cuadros y pinturas postmodernas. Una iluminación indirecta que nos sirve de ambiente para disfrutar de una variada colección de pequeños bocados de buena materia prima en esas pequeñas mesas con butacones individuales y cómodos, o con pequeños sofás para disfrutar en pareja el inicio de la noche madrileña que si nos dejan, será un disfrute de sensaciones. La arquitecta María Covarrubias con su visión peculiar de los espacios, construye su magia, reinventando estancias, patios, tejados y azoteas, mostrándolas como parte de la aventura que ofrece esta oferta hostelera. Sabe que nadie se puede resistir al desenfado de estos elementos bohemios y románticos, que tanto nos conectan con nuestra propia visión idealizada de la ciudad; una perspectiva desde arriba pero a la vez intimista. Las tejas se convierten en elementos decorativos imprescindibles, dentro de la escala cromática que se puede disfrutar, siendo a la vez barrera de miradas indiscretas. Historia y tiempo que se pierde en este lugar insospechado para el caminante sin pretensiones pero abierto a la sorpresa. Historia y tiempo que se funde en el corazón del Madrid antiguo y de los Austrias, de conventos con el espíritu de los que aman tanto lo urbano como lo armónico. RECUPERAR ESTOS EDIFICIOS EMBLEMÁTICOS PARA DEVOLVERLOS EN FORMA DE NUEVOS PALACIOS QUE VENERAN A LOS DIOSES ANTIGUOS PERO QUE SALUDAN AL ARTE CONTEMPORÁNEO CON IGUAL ENTUSIASMO. Recuperar paredes que rezuman y susurran anécdotas personales, colectivas, en todos los casos autenticas y singulares. Todo es hecho histórico y tiene sus particulares fantasmas Obras de arte que se exhiben de forma discreta pero en homenaje cuidado, a los y las artistas que han participado en la creación de este hotel; nada adquirido en serie, nada impersonal o atípico. Mucha mezcla feliz de creatividades que forman un elenco extraordinario dotado de su propia alma. Son parte de la escena, son familia y por eso están ahí; nunca porque sí o sin sentido. Materiales recuperados del pasado, acompasados por retazos de historia decimonónica, de literatura y de tiempos convulsos; de olvido y abandono. Este antiguo palacio es el escenario donde luces y sombras, se hacen eco de la iluminación del hotel, otro elemento pensado para la discreción y el regocijo de ese alma común de la que hablábamos antes. La sensación de bienestar es casi religiosa. No hay elementos estridentes, todo invita al descanso y la relajación. Sus pasillos son los que conducen a las 35 habitaciones, ninguna igual a otra. Una vez abiertas, todo cambia radicalmente: mucha luz natural en altura, coronada por ventanales al mundo. Paz y luz. Calma y esperanza. Gran trabajo de iluminación indirecta con la que se abre el ojo a todo. Estamos en el centro de la ciudad pero no oigo un solo ruido… tal vez mis pensamientos. Espero que sean los mejores para inspirar a escritores, fotógrafos, o artistas. Una vez más, la decoración juega un papel importante en el objetivo del confort: el amplio espacio, combinado con los colores suaves y equilibrados de mobiliario, paredes, accesorios y estructuras, son imprescindibles. Cada habitación comporta una concepción determinada: descansar, trabajar, disfrutar, encontrarse con lo inesperado…. Cualquier situación, cualquier persona. El hotel se siente, como ente vivo, particularmente orgulloso de sus suites y así nos lo hace saber. Entrar en una de estas Suites de hasta 75 metros cuadrados, es sumergirte en una cascada de sensaciones visuales, de bienestar sin apenas ruidos. Cool Rooms Atocha, se reserva este privilegio para que tus fantasías se cumplan cuando estés allí, libre y entregado a todas estas sensaciones mágicas de calma y lujo, de otoño, madurez, equilibrio y sencillez. Permite que Hermes vigile tus sueños.

Donde la Altura y la Elegancia se encuentran. En las laderas septentrionales de la Ribera del Duero, en la comunidad autónoma de Castilla y León, se alza una bodega que ha transformado la percepción del vino de altitud en España: “Bodega Alta Pavina” Situada a más de 900 metros sobre el nivel del mar, esta casa vinícola ha sabido aunar la tradición castellana con la sofisticación varietal borgoñona, siendo pionera en la introducción y desarrollo de la uva Pinot Noir en un entorno dominado por la uva Tempranillo. Alta Pavina no solo representa un proyecto familiar lleno de pasión y visión de futuro, sino que también es un laboratorio de excelencia enológica, donde cada botella cuenta una historia de esfuerzo, respeto por la tierra y apuesta por la innovación. En este artículo, exploramos la esencia de esta bodega, desde su historia y filosofía hasta sus vinos, maridajes y proyección internacional. La historia de Alta Pavina comienza en 1985, cuando la familia Ortega decide apostar por un proyecto vitivinícola singular. En lugar de seguir las sendas convencionales del vino en Castilla y León, optan por plantar Pinot Noir, una variedad de origen francés extremadamente delicada, poco cultivada en España en ese momento y prácticamente ausente en la Ribera del Duero. El objetivo era ambicioso, demostrar que la altitud, el clima continental y los suelos pobres podían dar lugar a vinos finos, elegantes y de identidad propia. Con los años, la bodega se ha consolidado como un referente nacional e internacional, manteniendo su carácter familiar y expandiendo su catálogo sin perder de vista la calidad como eje central. Actualmente, bajo la dirección de Diego Ortega, Alta Pavina representa la evolución natural de un proyecto nacido del amor por el vino, perfeccionado con técnica y guiado por la innovación. Alta Pavina construye su identidad sobre una serie de valores que se manifiestan en cada parte del proceso vitivinícola como son, Autenticidad , respetar la expresión del terroir y elaborar vinos que hablen de su origen, sin máscaras ni artificios. Innovación respetuosa. Incorporar tecnologías modernas sin perder la esencia artesanal del vino. Calidad como principio rector. Todos los procesos, desde el viñedo hasta la bodega, se orientan a conseguir la máxima calidad posible. Pasión familiar. Una estructura familiar que cuida cada detalle, con una dedicación plena al proyecto. Sostenibilidad . Un uso racional del agua, viticultura integrada, mínima intervención química y protección de la biodiversidad del entorno. Esta filosofía se materializa en la manera en que se trabajan los suelos, se cuidan las vides, se eligen los momentos de vendimia y se elaboran los vinos, siempre con la premisa de obtener lo mejor del viñedo sin alterar su esencia. El viñedo de Alta Pavina se ubica entre los 850 y los 920 metros de altitud sobre el nivel del mar, en un microclima particular dentro de la meseta castellana. Estas condiciones extremas, con inviernos rigurosos y veranos cálidos pero con importantes diferencias térmicas entre el día y la noche, son ideales para lograr una maduración lenta y completa de la uva. Los suelos son pobres en materia orgánica, con presencia de caliza, arcilla y cantos rodados, lo que permite controlar el vigor de las cepas y fomentar una mayor concentración de aromas y sabores. Este entorno es particularmente favorable para la Pinot Noir, pero también ha demostrado ser propicio para otras variedades como la Tempranillo, Merlot, Cabernet Sauvignon y Verdejo. Aunque la Pinot Noir es la variedad insignia de la bodega, Alta Pavina cultiva diversas uvas, adaptadas con éxito a la altitud y al clima castellano. Pinot Noir , una uva fresca, elegante, floral y muy expresiva, con un perfil mineral y sedoso que encuentra aquí una nueva dimensión. Tempranillo , la reina de la Ribera del Duero, adaptada aquí con un perfil más fino, con gran fruta y buena acidez. Cabernet Sauvignon . Uva utilizada en ensamblajes, aporta estructura, longevidad y notas especiadas. Merlot , suaviza los cortes de tinto con su textura sedosa y fruta madura. Verdejo , uva blanca, aromática y muy viva, plantada en parcelas bien orientadas y frescas. El catálogo de Alta Pavina destaca por su coherencia, equilibrio y calidad. Cada etiqueta refleja el trabajo bien hecho en viñedo y bodega: Alta Pavina Citius Selección de las mejores parcelas de Pinot Noir. Crianza larga en barricas de roble francés. Aromas complejos: frutas negras, cuero, tabaco, especias. Profundo, estructurado, con un final largo y elegante. Pavina Rosé Elaborado con Pinot Noir por sangrado. Color rosa pálido, aromas de frutas del bosque, pétalos y cítricos. Ligero, refrescante y equilibrado. Alta Pavina Verdejo Un Blanco seco de gran expresividad aromática. Notas de fruta tropical, heno, cítricos y un toque mineral. Ideal para consumo joven, con buena acidez y persistencia. La riqueza de los vinos de Alta Pavina los convierte en compañeros perfectos para la mesa. Aquí algunas propuestas de maridaje: Citius : Carnes rojas, cordero asado, cochinillo, platos de trufa y quesos curados como manchego. Red Blend : Pastas con ragú, estofados, costillas de cordero o hamburguesas gourmet. Pavina Rosé : Sushi, carpaccios, ensaladas de verano, tapas frías, ceviche. Verdejo : Mariscos, pescados blancos, gazpachos, ensaladas de frutas, platos con lima y cilantro. Los vinos de Alta Pavina han recibido puntuaciones sobresalientes por parte de críticos y guías internacionales como, Robert Parker que ha valorado positivamente la pureza y estructura del Pinot Noir de Alta Pavina, o James Suckling que ha calificado con más de 90 puntos varios de sus vinos. Premios en concursos como Decanter World Wine Awards y Mundus Vini. Estas distinciones no solo confirman la calidad del trabajo realizado, sino que también posicionan a la bodega como una referencia de la viticultura de altura y la Pinot Noir en España. La bodega ofrece experiencias enoturísticas personalizadas que permiten al visitante sumergirse en la esencia del proyecto. Algunas de las actividades más destacadas son: Visita guiada por el viñedo y la bodega. Catas verticales y degustaciones premium. Eventos privados en espacios exclusivos con vistas al viñedo. Experiencias sensoriales y maridajes con cocina local. Estas actividades convierten a Alta Pavina no solo en una productora de vinos de calidad, sino en un destino enoturístico de referencia. Actualmente, los vinos de Alta Pavina se exportan a más de 30 países en Europa, América, Asia y Oceanía. El Pinot Noir, en particular, ha sido recibido con entusiasmo por parte de sumilleres y compradores internacionales, que encuentran en estos vinos una expresión diferente, fresca y sofisticada de la variedad. La combinación de altitud, tradición e innovación ha convertido a Alta Pavina en un símbolo de la nueva España vitivinícola, capaz de competir con las grandes regiones vinícolas del mundo. Alta Pavina representa el equilibrio perfecto entre valentía e inteligencia vitícola. Su decisión de cultivar Pinot Noir en la meseta castellana fue, en su día, una apuesta arriesgada, pero el tiempo ha demostrado que fue también visionaria. Hoy, la bodega es sinónimo de calidad, elegancia y autenticidad. Con un firme compromiso con la tierra, una mirada hacia el futuro y un respeto profundo por el vino como arte y cultura, Alta Pavina se consolida como una de las bodegas más interesantes de España. Una copa de cualquiera de sus vinos es una invitación a descubrir la magia de la altura, el alma del terroir y la pasión de una familia que ha sabido convertir su sueño en legado. Mas información aquí

La Zarina del Violín que rompe los esquemas. En el vasto universo de la música clásica, donde las notas danzan con precisión matemática y las tradiciones se entrelazan con la historia, emerge una figura que desafía las convenciones y reescribe las partituras del arte: Elena Mikhailova. Violinista de origen ruso-armenio, nacida en Azerbaiyán y nacionalizada española, Mikhailova no solo interpreta música; la reinventa, la viste de gala y la lleva a pasarelas insospechadas. Elena Mikhailova proviene de una estirpe de músicos. Su bisabuelo fue trompetista, su abuelo y padre, violinistas, y su madre, pianista. A los seis años, debutó como solista con la Filarmónica de Bakú. Su formación académica es tan diversa como su herencia cultural: estudió en la Escuela Reina Sofía en Madrid, bajo la tutela de José Luis García Asensio; perfeccionó su técnica con maestros como Sir Yehudi Menuhin, Zakhar Bron y Salvatore Accardo en Alemania e Italia. A lo largo de su carrera, Mikhailova ha cosechado más de 20 premios nacionales e internacionales, incluyendo: Primer Premio en el Concurso Internacional “Andrea Postacchini” (Italia, 1999). Primer Premio por unanimidad en el Concurso Permanente de Juventudes Musicales (Gijón, 2000). Medalla de Oro en el Concurso Internacional “Primer Palau” (Barcelona, 2002). Además, representó a España en Eurovisión en la modalidad de música clásica en Noruega en el año 2000. Mikhailova no se limita a las salas de concierto tradicionales. Ha colaborado con marcas como Mercedes-Benz España, fusionando música clásica con electrónica. Fue embajadora de Agatha Ruiz de la Prada entre 2015 y 2017, y juntas crearon el proyecto “Música&Moda”, que busca acercar la música clásica a un público joven. Esta iniciativa dio lugar al disco “Entre Jotas y Zapateados”, homenaje a Pablo Sarasate. En una audaz declaración artística, posó para la portada de la revista Interviú en enero de 2017, siendo la primera violinista clásica en hacerlo, con el objetivo de romper estereotipos y reivindicar la libertad de expresión en el arte. Ha fundado su propia orquesta de cámara y sinfónica (MiSCO y MiSSO), con las que ha realizado giras por Francia, Italia, Portugal, Bélgica, Alemania, República Checa, Rusia, Japón, China, México, Argentina y Honduras. En colaboración con el pianista y compositor Manolo Carrasco, ha lanzado discos como “Spanish Violin” y “Seduction”, actuando juntos en países como Rusia, China y Turquía. En 2025, Mikhailova continúa desafiando los límites de la música clásica. Recientemente, ha anunciado en sus redes sociales la preparación de una serie de capítulos sobre sus aventuras con el violín, mostrando su compromiso con la innovación y la conexión con su audiencia. Además, ha participado en espectáculos como “Genios”, junto al bailaor Curro de Candela y la Orquesta Sinfónica de RTVE, fusionando flamenco y música clásica en una experiencia única. Elena Mikhailova es más que una violinista; es una fuerza transformadora en el mundo de la música clásica. Su habilidad técnica, combinada con una visión audaz y un compromiso con la innovación, la convierten en una artista única que continúa inspirando y desafiando las expectativas del arte musical.

Cocido Madrileño, Una comida difícil de olvidar ya que siempre se comparte con alguien que aprecias.  El 27 de febrero es el Día Internacional Del Cocido… El Cocido, plato típico madrileño, de trazas árabes y judías, en mágicos sincretismos culturales que recorren la historia de nuestro país, cuyo olorcillo en el caldero, nos sumerge en aquellas comidas familiares, de nuestra niñez, que duraban horas, tiempo de sobremesa, para que cualquier familia española, se pusiera al día de todos los cambios que ocurrían a lo largo del tiempo. Qué carrera van a estudiar los niños, cambios de trabajo, futuros eventos de la familia, quien, cuando, como y donde… El cocido, como dirían los nutricionistas, es un plato completo: engloba todos los alimentos, carnes, verduras, hortalizas, legumbres, hidratos de carbono, es decir, la combinación perfecta. Se organizan muchas jornadas para elegir los mejores cocidos, cada año. Es la excusa perfecta para pasar unos días en buena compañía y disfrutando de lo mejor de la cocina madrileña. Uno de los más reconocidos, se encuentra en una las zonas más emblemáticas de Madrid que es la vecina, Vallecas. De todas las partes del mundo han venido a probar su cocina y el porqué de su fama en este particular festín. Antonio Cosmen, es un hombre hecho a sí mismo, cercano, modesto, sincero, trabajador y empático. Desde que perdió a su madre a una temprana edad, comenzó su lucha particular por descubrir que le depararía el futuro, sin perder sus tradiciones familiares. El 25 de septiembre de 1973, con gran nevada en Leitariegos, su pueblo natal, comienza su periplo hacia la lejana capital, Madrid. Con tan solo 14 años y con la ayuda de sus hermanos mayores, debuta como aprendiz de su larga trayectoria en hostelería, en la entonces famosa taberna andaluza, "La Giralda".   Siendo algo más diestro en eso del manejo de la bandeja, se animo a demostrar su destreza en varios lances malabares, que le prodigaron fama y el reconocimiento de los jefes. Era capaz de recorrer la taberna a toda velocidad con su bandeja en la mano derecha, apenas sustentada por sus pequeños dedos, sobrevolando las cabezas de los clientes, como un inesperado avión en aterrizaje de emergencia. Un día en uno de esos lances, tuvo la poca fortuna de arrancar de cuajo al pasar, el peluquín de un cliente, que salió volando unos metros, tras la perplejidad de Antonio, que asustado, pudo observar cómo el personaje recogía del suelo su mata de pelo y se levantaba enfadado hacia la puerta de salida, abandonando el restaurante con su dignidad por los suelos. De esa etapa, nos comparte otra anécdota que también le dejó huella: Un joven con una gran barba, algo mal visto en esa época y mucho peor, que, tras pedirse unos finos y unos pescaditos, comenzara a besarse con su pareja en la barra del restaurante. “Un escándalo” para la época, motivo por el cual, el jefe de Antonio creyó oportuno interrumpir el romance y el roce, haciendo que este pasase por medio de la fogosa pareja, a la que gritaba con verdadero ímpetu, y acostumbrada agilidad, los pedidos de las comandas. Mientras caminaba entre ellos, Antonio confiesa, que tenía la sensación de que le iban a arrear un guantazo, algo que nunca ocurrió. Tras varias comandas, tuvo la oportunidad de hablar con el cliente, en un descuido del jefe, Antonio aprovechó para pedir disculpas a la pareja; el barbudo y su novia se mostraron tranquilos y con buen talante, y según el relato del propio Antonio, siguieron viniendo durante años. Aquel barbudo, años después se convirtió en uno de los dirigentes más relevantes de la política de este país. Tras años de experiencia, nuestro protagonista se atreve a dar el salto, con un socio, para crear su propio bar, El Bar Jorge. Tras unos dos años, les cautiva un modelo de franquicia llamada “Cervecería Cruz Blanca”, que se estaba extendiendo rápido por Madrid. Su decoración y estilo encajaba con la idea que habían planeado para dar un giro al bar Jorge. Así fue como en el año 2005, nació cervecería Cruz Blanca Vallecas, cervezas, tapas, raciones, un lugar donde tomar algo y disfrutar. Poco a poco Antonio incorpora su experiencia en cocina tradicional a la nueva carta, convirtiéndose en un restaurante referente de la zona, siendo el cocido madrileño, protagonista por derecho propio, con clientela fiel a su receta, desde 1984. ¿Cómo elaborar un cocido para el recuerdo? ​ El secreto se basa en la materia prima:  exclusiva y de larga tradición. El garbanzo, ya se cultivaba para su abuela, en la zona de Arévalo, hace más de 70 años. Una zona fría, buena tierra, con buena humedad, lo que le hace cocer muy bien y que no se despelleje nunca. Cuando le preguntamos sus secretos nos explica que el más importante, es saber, que el garbanzo, a medida que se seca, se debe prolongar el tiempo de cocción, para obtener el resultado perfecto. Su elaboración, es a la antigua usanza: en una olla de puchero y a fuego lento, comenzando el día anterior, con mucha agua en la base del caldo de cocido cociendo primero la carne y después se deja reposar esta primera cocción, hasta los 60º, para guardarse en frio hasta el día siguiente. ​ ¿Por qué en frio? Entre los 60º y 5º cualquier alimento está en peligro de contaminación cruzada. Por eso hay que guardarlo en frio. A la mañana siguiente, se desgrasa totalmente, se comienza por cocer los garbanzos (del calibre 33) e incorporar el resto de la cocción que previamente se ha realizado por separado del chorizo, la morcilla, el repollo, la patata y la zanahoria. El resultado es un caldo consistente, con todos los matices de sabor que otorgan tan excepcionales ingredientes. ¡Ya tenemos el cocido madrileño! El cocido, se come en tres fases o vuelcos. Para servirlo, comenzamos a servir el primer vuelco que consiste en la famosa croqueta, que se hace con la base del cocido y el jamón. Seguidamente servimos la humeante sopa, acompañada de la cebolleta y las piparras. También añadimos un cuenco de garbanzos, para los que les gusta tomarlos añadidos a la sopa. En el segundo vuelco, se sirven generosamente, las verduras y las legumbres. Pasamos casi de manera inmediata a incorporar a toda esta mezcla las carnes, lo que supone entrar de lleno en el tercer vuelco, que completa todo el ceremonial. En cruz blanca Vallecas, se han unificado el segundo y tercer vuelco, a no ser que el cliente lo pida de la forma tradicional. Para condimentar los garbanzos se ofrece, un aceite de oliva virgen extra, vinagre de vino y la salsa casera de tomate natural y cominos. Un plato universal, para "matar" el hambre de los más exigentes, avivar los sentidos de todos y sentar a la mesa a cualquiera que guste de la buena cocina tradicional, pero el Cocido Madrileño, sobre todo, es una forma exquisita de hacer amistades, porque reúne lo mejor de la Capital: su variedad y su hospitalidad. En la Cervecería Cruz Blanca Vallecas, las materias primas y el cariño de Antonio, son los ingredientes secretos para disfrutar de un cocido cualquier día y además sentirse como en casa. Gracias Antonio Cosmen, por todos estos años de tradición.

CEO Y FUNDADORA DE TBC, LA HISTORIA DE PAZ TORRALBA ES LA DE UNA GRAN EJECUTIVA QUE UN DÍA DECIDE DEJAR SU TRABAJO EN EL SECTOR BANCARIO PARA SEGUIR SU PASIÓN, EL MUNDO DE LA BELLEZA Y LA MEDICINA ESTÉTICA. SU ÚLTIMO PROYECTO: UN SPA EN EL RECIÉN REMODELADO HOTEL MANDARÍN ORIENTAL RITZ DE MADRID Paz Torralba da un giro en su trayectoria profesional y comienza esta nueva etapa en 2005 cuando abre su primer centro de belleza en la calle Chile, 10. Su pasión y eficacia por ayudar a sus clientas le genera tal demanda que en años posteriores abrió otros dos centros en la calle Ortega y Gasset, 45 y 49. Su trabajo continúa creciendo junto a marcas de reconocido prestigio como Is Clinical, Luxmetique, Redken, Valmont, Grande Nature, Cellcosmet, … y la confianza de clientas/es tan exigentes como Eugenia Silva, Andrea Duro, Sandra Barneda, Belén Rueda, Marta Torné o Juan Betancour. ¿CUÁL ES EL SECRETO DE TU ÉXITO? Buscar un diagnóstico preliminar y preciso de cada cliente, para así poder adecuar el mejor tratamiento y el más eficaz. Otro de los secretos, es utilizar productos y tratamientos que permitan ver los resultados a corto plazo, pero quizá el más importante es el trato personalizado y cercano con todos sus clientes, aunque estén en la otra parte del mundo. ¿Cuántos CEOs dan su teléfono a cualquiera de sus clientes? Solo Paz es capaz de involucrarse de esa manera en la calidad de sus servicios, estando la primera para atender a sus clientes. UN NUEVO CONCEPTO DE PELUQUERÍA Hace unos meses decidió complementar todos esos tratamientos con un look personalizado para conseguir que sus clientas/es, además de estar en perfecto estado y cuidado, tuvieran un aspecto impecable a la altura de las mejores estrellas de Hollywood. Para ello, crea un nuevo concepto de peluquería, denominado TBC Hair, con un enfoque actual, cercano, con un diseño moderno, un espacio agradable donde reunirse. Un espacio unisex, que no solo te cortaran, peinaran, o te darán mechas y extensiones, sino que disfrutaras de un barman que te endulzara y te hará disfrutar de la experiencia dentro del local. Un espacio donde podrás trabajar, en una zona privada y tranquila, o charlar con una amiga/o mientras tomas algo. Un lugar donde todo lo que ves expuesto se puede comprar, un libro de decoración, un jarrón, … este original espacio se encuentra entre los dos anteriores en el número 47 de la calle Ortega y Gasset. Es un concepto de negocio muy interesante, ya que puedes hacerte un tratamiento de belleza, luego peinarte mientras tomas algo y terminar saliendo con un regalo para la cena a la que te han invitado. HOTEL MANDARÍN ORIENTAL RITZ MADRID Para terminar vamos a hablar de su último proyecto, damos un salto. Todos conocemos que el hotel Ritz de Madrid, un hotel que adquirió y reformó durante varios años, la cadena hotelera Mandarín Oriental abrió sus puertas hace pocos meses. Manteniendo su estilo clásico, tradicional, pero renovado, cómodo y moderno. Entre sus novedades está la incorporación de un nuevo espacio de relax, que la cadena tras hacer una investigación de los mejores centros de España, depositó su confianza en TBC. Fue la elección perfecta para relajar, poner en forma, peinar, o atender con un exquisito cuidado a los nuevos clientes del Mandarín Oriental Ritz. Un espacio donde, mientras estás recostado en alguna de sus cómodas hamacas, a los pies de una piscina de agua cristalina, tomas una bebida refrescante y observas una representación estelar del cielo de Madrid. Además de los tratamientos más exclusivos ya mencionados, dispones de los aparatos más modernos para hacer ejercicio y si necesitas ayuda, tienes a tu disposición un entrenador personal. Duchas, baño de vapor, todo ello diseñado con un mimo que te hace disfrutar al máximo de la palabra descanso. ¿Se puede pedir más? Sí, puedes continuar cualquier tratamiento, o adquirir cualquier producto para tu hogar y realizar las consultas telemáticas que necesites en cualquier parte del mundo. Para el día de los enamorados TBC nos propone un plan en pareja dentro del hotel Mandarín Oriental Ritz Madrid. Con el nombre de “Peeling 5 sentidos” nos proponen un masaje tonificante corporal con extractos fitomarinos, sales del mar Muerto y aceites esenciales que van a exfoliar suavemente la piel y eliminan las células muertas. Si lo deseas por mayor intimidad, podrás hacerlo en una de las suite Spa exclusivas para dos personas. Antes o después del tratamiento, la pareja podrá disfrutar de la zona de aguas del Spa y tomar un té en su zona de relax. Para más información contactar con el hotel en el teléfono 91 701 68 88. Paz, felicidades por tu dedicación y por el cambio de rumbo que diste a tu vida, gracias al cual nos permite al resto de los mortales disfrutar de una vida más saludable.